UGO - Hugo Enrique Quintero Soto

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Chía, Cundinamarca, Colombia
La Mesa, Cundinamarca, 1971 Pintor e ilustrador colombiano, Licenciado en Filosofía y Letras. Su obra se ha concentrado en el estudio de la figura humana, particularmente desnuda. Actualmente trabaja en una serie sobre la dinámica del cuerpo en movimiento, a partir de la danza y el circo. También trabaja temas tradicionales, como el paisaje y el bodegón. Visiteme también en www.ugo.artelista.com ; e-mail hequs1971@yahoo.com

Escritos sobre arte

EL ARTISTA: SER ATRAPADO ENTRE EL PASADO Y EL FUTURO
(Sustentación conceptual para la obra "Entre el pasado y el futuro", ganadora del "Estímulo a la Creación Artística Bernardo Páramo)

Génesis
Dada mi condición de artista “empírico” según la discutible clasificación de la convocatoria, me correspondió trabajar a partir del tema “Chía pasado, presente y futuro”. Inicialmente decidí ilustrar tal concepto a partir de tres parejas, una de ancianos, una de adultos jóvenes y una de niños, con la idea de simbolizar pasado, presente y futuro; pero sólo llegué a un boceto. Luego, pensé en representar de alguna forma el pasado, el presente y el futuro de Chía; tras pensarlo mucho, llegué a la conclusión de que necesitaba tres imágenes que fueran representativas de cada momento histórico: el pasado quedaría representado por una pareja de campesinos, en homenaje a la tradición rural y agrícola del Chía; el presente, mostraría una mujer en un café al aire libre, atendida por un mesero, aludiendo al carácter actual de Chía como lugar de esparcimiento para pobladores y visitantes; para el futuro quise plantear el arte y la cultura como eje del desarrollo social.
El proceso
Una vez definidas las tres imágenes tenía que resolver el problema de cómo integrarlas en una sola obra. Ya que era difícil situar en el mismo espacio situaciones tan diversas, tras conversar con una de mis alumnas de dibujo, encontré la solución: era cuestión de pintar una escena de un artista que trabaja con su modelo en un interior y usar como recursos una ventana para mostrar la escena del café y un cuadro para mostrar la escena de los campesinos. Empecé a trabajar procurando integrar estos tres elementos, pero encontré dificultades para hallar la perspectiva correcta. Realicé varios bocetos, utilizando un punto de vista elevado, de manera que el artista y su modelo estuvieran en un segundo piso y por la ventana se viera la escena del café en la calle. Finalmente debí abandonar esta perspectiva al no lograr resultados convincentes. Opté entonces por hacer coincidir el punto de vista con el horizonte visual, colocando la vista del artista a la misma altura del punto de vista del observador de la escena. Entonces, descubrí que la clave estaba en hacer coincidir del todo el punto de vista con el del artista: quien observe el cuadro verá lo mismo que vería el artista.
Con esta nueva ubicación empecé a desarrollar el boceto final; no obstante me percaté de que la perspectiva recta no era apropiada para mis propósitos: lograr una visión absolutamente realista. Así que debí acudir a la perspectiva curva, por tantos años abandonada (Fouquet la había empleado ya en el Renacimiento, pero sólo hasta Escher logró la difusión merecida). Pero el problema no era fácil ya que, al estar tan acostumbrado a la perspectiva recta, no tenía los recursos técnicos para desarrollarla (no hay muchos libros y documentos donde se explique); así que debí crear una retícula con el computador para obtener un patrón sobre el cual dibujar la escena.
Satisfecho con esto, me percaté de que si quería dar una imagen más realista, debía contemplar el fenómeno de la percepción visual de manera rigurosa: cuando nuestros ojos miran algo, sólo ese algo es el que se ve clara y nítidamente. El resto de los objetos que caen dentro del campo visual se ven de manera imprecisa, borrosa, ya que se encuentran en la zona de la llamada visión periférica. Sabemos que están ahí, pero no logramos verlos adecuadamente a menos que nos fijemos en ellos, desplazando el centro de nuestro campo visual. Por ello, asumí que si lo que me interesaba mostrar ante todo era lo que estaba viendo el artista, sólo la modelo debía verse nítidamente y el resto de los elementos debería esta desenfocado (literalmente, fuera de foco).

Lo conceptual
Existen varios niveles interpretativos: a un nivel primario, está la visión del artista hacia el pasado y el presente. El pasado existe esencialmente en la memoria; de ahí que se represente a través de un cuadro. El arte no sólo está vinculado a la imaginación, sino también a la memoria, al recuerdo que tenemos del pasado. Pero dado que nuestros recuerdos están limitados en el tiempo y el espacio (lo que hemos visto nosotros mismos), en realidad la imagen que tenemos del pasado está en construcción; la vamos elaborando en la medida que aprendemos a través de fuentes directas (testigos vivos de los hechos que nos interesan) y de documentos históricos.
Por su parte, el artista suele estar un poco “ausente del presente”. El artista tiende a refugiarse en el pasado o en el futuro. Por ello, el presente, si bien está ahí, para el artista parece que aconteciera “allá afuera”, en otro mundo, porque el artista vive en su propio mundo. La ventana le permite entonces asomarse de vez en cuando al presente (aunque no entrar de lleno a él y la reja lo simboliza), pero su mente y su corazón están en el pasado y el futuro. Y no es algo que se deba reprochar al artista: sólo quien es capaz de escapar al presente puede hacerse visionario.
El futuro está representado por el trabajo del artista, quien siempre está enfocado en el futuro. La modelo es el punto de partida, no el punto de llegada, porque desde que empieza, el artista está proyectando lo que será su obra, así por el camino tenga que introducir correcciones o los resultados sean diferentes a los previstos.
Pero existen niveles más profundos, que sólo puedo indicar sin entrar en detalles dada la limitación de espacio. Por ejemplo, el uso de la perspectiva curva y el desenfoque de la periferia plantean nuevos significados: desde el horizonte de la física moderna (relatividad y mecánica cuántica) sabemos que las líneas rectas no existen, son sólo una ilusión. El espacio euclidiano, rebatido por los trabajos de Lobachevsky y posteriormente por el espacio curvo de Riemman utilizado por Einstein, se muestra insuficiente para comprender la realidad. Incluso la mecánica cuántica que estableció la dualidad onda-partícula de la materia y de todos los fenómenos naturales viene a confrontarnos de una manera radicalmente nueva con los hechos del mundo natural y social.
En el cuadro existe una pequeña violación al principio de desenfocar las áreas que se hallan alrededor de la modelo: el lápiz está pintado con nitidez, pero ello le confiere un ritmo esencial a la obra, pues el ojo del observador se mueve de manera incesante entre la modelo y el lápiz que ya ha iniciado el boceto, a la manera en que el artista cambia repetidamente su atención entre modelo y obra.
Hasta aquí, todos los elementos parecen estar justificados racionalmente; pero alguien preguntará ¿por qué el desnudo y por qué la flauta? A ello sólo puedo contestar que no todo en una obra puede sustentarse racionalmente. La única explicación que se me ocurre es que siempre me ha fascinado el desnudo (por motivos que soy incapaz de aclarar lógicamente) y sentiría que me traiciono a mí mismo si no lo incluyo. Además, cuando vislumbro el futuro, siento que no hay mayor ilusión para mí que poder dedicarme por entero a la pintura desarrollando del natural mi tema predilecto. La flauta es sólo un pequeño homenaje a mi pasión por la música (una de mis piezas favoritas es el concierto para flauta de Saverio Mercadante) y contribuye a reforzar la visión de Chía como un epicentro artístico para el futuro.


Hugo Enrique Quintero Soto

EN TORNO AL DESNUDO

El arte no escapa a la mojigatería y aún hoy en día hay quienes se escandalizan por un desnudo y más aún si se presenta o sugiere la intimidad de una pareja. ¿Es el amor, en su expresión carnal algo sucio y vergonzoso? ¿Deben mantenerse las relaciones sexuales totalmente proscritas de la representación artística? El desnudo no es sólo expresión de belleza formal, sino pasión, ardor sexual. Sublimado, quizás, llevado a un plano artístico, pero al fin y al cabo motivado por un fuego interno. Un desnudo no debe aceptarse sólo bajo el supuesto de que sea “casto y no provoque malos pensamientos”
Sin duda alguna, el buen gusto debería primar (cualquiera que sea el significado de esta expresión), pero eso no puede constituir una forma de censura a la creatividad y pasión del artista. Cuando el arte está desprovisto de pasión se vuelve superficial, meramente decorativo…o excesivamente intelectual.
Naturalmente, no toda obra donde esté presente la sexualidad (sea pictórica o fotográfica) debe justificarse con el cacareado argumento de que es artística. Seguramente no es fácil establecer una clara distinción entre erotismo y pornografía; probablemente en la mayoría de los casos son términos que se prestan a equívocos y no faltará quien diga con sorna que ¡erotismo es cuando lo hacen los ricos y pornografía cuando lo hacen los pobres! No obstante, es probable que existan parámetros más o menos objetivos, si bien existe una región donde los límites se difuminan y cualquier definición se vuelve subjetiva y caprichosa. Y tiene que ver con la manera como se presente la situación: en general, una escena se hace pornográfica cuando se centra la atención en el aspecto puramente biológico y con la intención exclusiva de excitar sexualmente al espectador. Los demás aspectos que correponden al plano estético pasan a un plano totalmente secundario, cuando no se ignoran por completo.
En estas condiciones, no son muchas las imágenes que escapan a lo pornográfico para trascender al nivel artístico. Porque no se trata tanto de lo que esté ocurriendo, sino la forma en que se presenta; un coito puede recibir un tratamiento que lo haga aceptable como obra de arte.
Desde luego, esto lleva a consideraciones muy complejas acerca de qué es arte y qué no; y aunque no existen fórmulas precisas, indudablemente el arte debe aunar valores formales o plásticos, con sentimientos e ideas.

3 comentarios:

FABULA ACADEMIA Y GALERIA DE ARTE dijo...

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jim dijo...

Porqué los "intelectuales " hablan tanta paja? Muchas palabra bonitas y rebuscadas, para no decir nada. No concretizan. En cuanto a este artista, va bien, pero debería definir un estilo propio, anda divagando en técnicas y tendencias, algunas anticuadas. No soy critico de arte ni se nada de eso, pero me gusta mirar simplemente.....Jim.

jim dijo...

Buenos días. Somos de la Fundacion Zamariyadah, y nuestra labor social es atender a abuelitos vulnerables, en todo sentido, económico, social, nutricional, de salud, anímico, etc. Estamos en Fusagasugá, Cund. Legalmente constituidos, estamos proyectando un comedor comunitario y un hogar de paso. Si te nace del corazón colaborar nos, te puedes comunicar.
Nuestra pagina: http://fundacionzamar.tk
Gracias.......Jim